獨家對話《鳴潮》總監：「逼瘋」自己，把遊戲砸出聲
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3.1版本上線前夕，葡萄君曾前往庫洛總部，跟《鳴潮》音頻總監jixwang聊了幾個小時。
當時他半開玩笑地說：“我感覺這個版本後勁兒會很大。”
但隨後又趕緊找補：“當然這是我的主觀感受，最終能不能打動人，得等上線後讓玩家說了算。”
前兩天《鳴潮》3.1正式更新，玩家的反饋印證了他的判斷，不少人都被實實在在地「刀哭了」。
別的不說，現在你只要一搜鳴潮，就能在社區看到玩家痛並快樂的矛盾情緒：一邊驚歎於「老庫神了」、「3.1夯爆了」、「無法超越的二遊里程碑」；一邊則是痛苦地哀嚎「庫洛你沒有心」、「能救回來嗎」、「BGM太犯規了」。
溫馨提示：你可能已經不止一次去刷切片挨刀了
這種情緒爆發的背後，其實是《鳴潮》內容創作能力的一次集中兌現。
簡單來說，3.1版本用一段「時空閉環」的悲劇，將角色愛彌斯與漂泊者的羈絆推向高潮。在玩家以爲要包餃子大團圓之後，卻讓愛彌斯必須爲時空閉環獻身，配合着極具張力的視聽演出，反身一刀砍哭了百萬漂泊者。
從結果來看，庫洛對愛彌斯的塑造毫無疑問是成功的。庫洛集合了千人團隊多個部門的協作，爲大家獻上了《鳴潮》歷史上的又一個「神回」。
版更第三天凌晨登上熱搜，可見其後勁
而在這個過程中，音頻不止是畫面的陪襯，還是成爲了遊戲驅動敘事、構建沉浸感的核心一環。
jixwang向我透露了一個關鍵的設計細節：貫穿3.1版本的音樂其實有一個核心主題。
基於這個核心旋律，製作組結合故事IP，衍生出了兩首互爲鏡像的主題配樂：
成年愛彌斯的主題曲《她所眷戀的》，是這個旋律的正向演繹；而小愛彌斯的主題曲《星輝的安眠曲》，則是這個旋律的逆向回溯：從結尾開始，每個音一比一地往前彈。
核心旋律的正序和逆序
在演出實現時空閉環時，音樂層面也實現了同樣的敘事。
甚至在遊戲外，音頻團隊也參與到了角色的全方位塑造中。愛彌斯在全平臺註冊的賬號、發佈的每一首歌曲，都讓這個「賽博偶像」在玩家心中活了起來。這種「音頻+敘事+宣發」的複合打法，讓愛彌斯的賬號僅在B站就短期內收穫了超30萬的粉絲。
可以說，無論是在遊戲裏還是遊戲外，《鳴潮》的音頻音樂不僅希望追求好聽耐聽，也更期望貼合主題的敘事邏輯，服務角色、內容乃至遊戲體驗。
而且《鳴潮》的音頻音樂，也早就是其內容競爭力的護城河：
3.0被誤認爲澤野弘之作曲的斬蟲神曲、去年庫洛嘉年華Live現場的爆火場面、2.4露帕和蜜芽的雙生神曲，再往前的弗洛洛、卡提希婭、守岸人……《鳴潮》不僅做到了單版本近百首曲目的量大管飽，更誕生了諸如“四個音，彈哭百萬漂泊者”的破圈梗。
這也讓我們開始重新審視一個行業命題：在內容極度內卷的當下，我們該如何正確看待遊戲音樂的價值？
在與jixwang交流的幾個小時裏，我們從1.0聊到3.1，覆盤了《鳴潮》音頻團隊過去一年多的進化之路。
以下爲對話實錄，爲照顧閱讀體驗，內容有所刪減調整：
01
從1.0到3.1，音樂的逆襲
葡萄君：前段時間《鳴潮》那首被玩家稱爲「斬蟲神曲」的配樂火出了圈，很多人甚至以爲你們請到了澤野弘之。這種爆款在你們預期之內嗎？
jixwang：完全在意料之外。《於無羈之晝點亮真彩》原本只是3.0劇情高光的一段純配樂，起初偏賽博風格，不是一首完整的歌。
但製作中我們覺得高光點需要更勁爆的聽感，就加了衝擊力更強的Jumps鼓（節奏感強的鼓點）和Slap Bass（打擊琴絃的貝斯演奏技巧，節奏感強）——後來爲了強化舞臺感，又找了風格極具爆發力的歌手Laco來演唱。
於無羈之晝點亮真彩 (Throttle Up!),鳴潮先約電臺
當時真沒往澤野風格上想，更多是爲了服務高光劇情。直到後來有同事在公司問我：“咱們是不是請了澤野弘之？”我才意識到大家會有這種聯想。
當然，我個人非常喜歡澤野弘之的作品，能被大家聯想到他，對我來說是一種莫大的榮幸。
*澤野弘之：日本作曲家，代表作《進擊的巨人》《高達UC》，以燃系曲風和標誌性的“爆發前停頓”著稱；
*Laco：日本歌手，嗓音極具爆發力，常與澤野弘之合作；
葡萄君：這是否意味着，在遊戲音樂領域，作品的品質和出圈之間，並沒有一套絕對公式？
jixwang：我個人覺得是沒有公式的，更多是服務於遊戲內容的音樂音效，將其提煉好、打磨好。
比如卡提希婭那首《願戴榮光墜入天淵》，其實我們最初預期沒那麼高。但在製作中，我們配合演出做了很多變奏和卡點嘗試。
剛好當漂泊者向下飛行接卡提希婭時，視聽上迎來了一個完美的情緒爆發點——最終呈現出的音畫效果，來自我們和演出組的來回磨合，結果玩家的滿意度超出了我們的預期。
其實從我個人角度來說，3.0版本我更喜歡星炬學院的BGM《響晴巡鈴》和另一首《赴每一程未知》。在專業視角下看，它們的質量其實非常高。
響晴巡鈴,鳴潮先約電臺
赴每一程未知,鳴潮先約電臺
葡萄君：那如果不談運氣，談投入呢？遊戲音樂是砸錢就能做好的嗎？
jixwang： 如果提及預算那固然重要，但我認爲好音樂更看緣分，也很看創作者當下的狀態。
對於遊戲音頻來說，風格契合的合作伙伴，互相尊重且配合打磨的協作團隊，在合適的時機出現更好的表達探索、合適的情緒下創作出最對、最有力的聲音等等，我覺得這些對我來說很重要。
葡萄君：但行業裏也有一種聲音，認爲遊戲音樂正在走向泛娛樂化——比起服務遊戲，似乎更追求像流行歌那樣獨立傳播。你怎麼看這種趨勢？
jixwang：我始終認爲，一款好遊戲，其內容與藝術表達一定是相互成就的。無論是否泛娛樂化，遊戲音樂的最高優先級永遠是服務遊戲體驗。
我覺得標準可能不在於玩家誇“這歌好聽”，而是“這歌讓我想起了那個角色、想起了那一段劇情”——比起所謂的出圈，我們現在更重視音樂的功能性和服務性，以及它與遊戲內容、玩家體驗的承接與咬合。
葡萄君：這個詞很有意思。怎麼理解你所說的「體驗咬合」？
jixwang：這是我們音頻團隊過去最大的反思，也是《鳴潮》音樂轉型的核心。
1.0時期的音樂，我們更偏向做風格差異化，想實現音樂人本身的一些藝術表達。比如用了很多偏爵士（Jazz，強調即興的音樂風格，慵懶或搖擺）、非功能和聲（Non-functional harmony，不遵循傳統調性規則的和聲，朦朧）的理念和現代技法。整體偏氛圍感，設計思路有些「不太商業」——當然這個詞要打個引號。
但結果證明，這其實就跟玩家的體驗感受不夠咬合。
簡單理解，咬合就是世界與玩家的交互，是玩家的初見驚喜和記憶點。
場景音樂要符合區域的人文特徵，不能突兀；戰鬥音樂要追求打擊爽感；劇情配樂要烘托情緒，輔助展現故事脈絡，給玩家一個宣泄出口——先明確音樂的定位和作用，表達更多的遊戲向聽感，再有更多的空間之餘，再塑造個人的藝術表達。
因此從乘霄山版本開始，我們在和聲（多個聲音同時響，作爲背景烘托旋律）、旋律（音樂的主線）上都做了一個比較大的轉向。
獨坐吟空庭,鳴潮先約電臺
葡萄君：確實，很多玩家也是從乘霄山開始覺得《鳴潮》音樂突然開竅了。當時具體的創作思路是怎樣的？
jixwang：乘霄山是國風主題，所以竹笛、簫這類配器（指決定由哪些樂器來負責音樂的不同部分）是這個區域的音樂基礎。
山霽浮古今,鳴潮先約電臺
但同時我們認爲，作爲雪山，它給人的感覺應該是明亮、有反射感的。因此我們加大了混響（模擬聲音在空間裏的反射和傳播）和回聲，調整了各類國風樂器與電子合成的融合比例，並加入女聲吟唱，去營造一種通透、空靈、遼闊的空間反射感。
我們希望給玩家呈現的，不是傳統的國風，而是一種帶有獨特空間色彩的國風。
天光落萬頃,鳴潮先約電臺
葡萄君：順着這個邏輯，從1.0到3.0，你們每個大版本都會更換登錄音樂，這背後是不是也藏着不同的版本表達？
jixwang：對，我們想在每個.0版本給玩家一種「新起點」的感覺。
1.0版本的登陸曲《Saving Light》，鋼琴起勢的那一段，就能讓人有新世界開端的感覺、配器中的Glitch（模擬電子設備故障時的卡頓、破碎音效）元素，也符合當時遊戲「後啓示錄」的基調；
Saving Light (Instrumental),鳴潮先約電臺
2.0版本是一個狂歡的版本，黎那汐塔的主題旋律帶有古典元素，室內樂（小型樂器合奏，更精緻、細膩）風格；
待夢醒啓程,鳴潮先約電臺
七丘則加入了管絃樂（類似大型樂團演奏，史詩感強）、民族樂（使用特定地域的傳統樂器演奏，有文化色彩）的配器；
風起巡原,鳴潮先約電臺
3.0版本的音樂視野更加開闊了，《鳴潮》的故事開始涉及星空與科技。所以配器上偏Synth（通過電子信號合成聲音的樂器）類型，甚至加入了一些K-Pop（韓流特徵，強節奏，編曲時尚）元素；
遠航星,鳴潮先約電臺
至於3.1，從聽感上我們想致敬範吉利斯的《銀翼殺手》或《攻殼機動隊》，比如用薩克斯（音色浪漫）把混響做得非常遠，去呈現賽博世界裏的霓虹感。
逾百年的遠冬,鳴潮先約電臺
*範吉利斯（Vangelis）：電子樂奠基人，電影《銀翼殺手》配樂大師，風格宏大空靈，是科幻配樂的教科書；
*《銀翼殺手 》& 《攻殼機動隊》：均爲賽博朋克題材的殿堂級作品，其配樂定義了科幻未來的聽覺審美：電子、冷峻、霓虹感且充滿哲學意味；
葡萄君：除了宏大的場景，在角色曲的微觀處理上，比如守岸人、卡提希婭、弗洛洛，你們是怎麼做到“四個音，彈哭百萬漂泊者”的？
jixwang：守岸人的《繁星、新生，與你》其實來源於我同事當時寫的一個Demo，我們聽到的一瞬間就覺得很抓耳，完美詮釋了守岸人的宿命感，於是直接採用了。
至於前四個音，創作時倒是無意的，但鋼琴勾勒出的這四個音，確實成了角色最強的記憶錨點。
繁星、新生，與你 Astrum Unicum,鳴潮先約電臺
到了弗洛洛的《酣夢於彼岸深紅》，我們就有意延續了這種思路，讓前四個音在副歌部分以模進式迴環（同一段旋律，換音高重複演奏，類似爬樓梯）出現，強化記憶。
酣夢於彼岸深紅,鳴潮先約電臺
至於卡提希婭的《願戴榮光墜入天淵》，相比前奏的抓耳，我更想分享副歌起承轉合中的第三句——那裏做了一個離調處理（短暫偏離原來的調性）——意味着角色抗爭宿命的宏大敘事。
願戴榮光墜入天淵,鳴潮先約電臺
這也是我們目前音樂創作所追求的：電影化的線性敘事。
02
一個從音樂誕生的角色
葡萄君：剛纔你提到了電影化敘事，具體到遊戲裏該怎麼理解？
jixwang：這要提到《鳴潮》3.1版本了，它是目前最能讓我感到驕傲的版本。
3.1主線中有一段6分鐘的機甲戰鬥副本，涵蓋了騎摩托、橫版跑酷、演出播片……你看這麼長的流程，我們完全可以切成幾段，每個模塊都配一首曲子。
但我們沒有這麼做。爲了保證情緒的連續性，我們6分鐘只做了一首曲子，像是音樂「長鏡頭」。
雖然對不同場景做了密集的編曲和變奏，甚至在「隧者啓動」的高光時刻，增加了配器來推高潮，但整首曲子的基底從未中斷。
我們希望玩家的情緒是像看電影一樣沉浸，被一鏡到底地推上去——這就是電影化的敘事方式。
*作曲和編曲：作曲是寫出哼得出來的調子（骨架）；編曲是決定用什麼樂器、什麼風格來演奏它；
葡萄君：那具體到角色身上呢？作爲3.1的核心，你們是如何用音樂敘事構建愛彌斯的？
jixwang： 首先成年愛彌斯是校園偶像，因此我們在3.1主線中，爲其創作了一首偏青春樂隊的演出曲目《小小奇蹟》；
小小奇蹟,鳴潮先約電臺
而在劇情反轉，玩家瞭解愛彌斯獻身完成閉環的信息，並趕往漸湖湖底拯救愛彌斯時，會聽到另一首悲壯的曲目《遠航星的告別》。
這個演出曾經在3.0時是配樂絃樂的版本，3.1結尾則是人聲歌曲，做出不一樣的體驗和玩家視角的不一樣的感知（悄悄說下，3.0的配樂絃樂版本，我們重置了一下，又放在了3.1校園課堂初見愛彌斯的劇情裏）。
對於《遠航星的告別》，中間有一段是隨着歌曲推進，愛彌斯衝回過去，鼓點逐漸增強，傷勢越重，前進感反而越強，最後衝回了過去的虛質空間，遍體鱗傷地協助隧者拯救拉海洛——我當時覺得這段一定會淚點拉滿（笑）。
在高光演出之外，我們還在更深層做了大膽嘗試：一套「正逆同構」的音樂語言。
比如《她所眷戀的》與《星輝的安眠曲》，它們本質上是同一段核心旋律的「一體兩面」——正序擴充變奏後是成年愛彌斯的主題曲；
她所眷戀的 (正序主題),鳴潮先約電臺
逆行（音樂技法）變奏就是小愛彌斯的主題曲，旋律節奏一比一倒序還原。
星輝的安眠曲 (逆序主題),鳴潮先約電臺
葡萄君：這也太細節了，我猜大部分玩家第一遍可能聽不出來？
jixwang：呈現給玩家來說，大部分玩家的耳朵會被「好聽度」吸引。但爲了這個「好聽」，我把兩個旋律調試了很多次。
而且這種設計貫穿了3.1的整個版本：所有成年愛彌斯現在時間線的演出、對話，用的都是核心旋律的變奏（正序）；所有小愛彌斯的閃回，過去的故事，用的都是倒放核心旋律的變奏（逆序）——整個版本愛彌斯的音樂，我們都是圍繞着成年正序、童年逆序這個主題。
比如展現愛彌斯心境的劇情BGM《因與果_果與因》。這首歌採用了核心旋律的對位設計（兩條獨立的旋律線同時進行，像是對話）：一段旋律往前，一段從後往前；而且我們在混音上做了特殊處理——向前的在左聲道，倒序的在右聲道。
因與果_果與因,鳴潮先約電臺
我們想用這種隱晦但統一的聽感，給玩家傳遞反轉、回溯和宿命輪迴的感覺。
葡萄君：這已經超越配樂的範疇了，是在用音樂講故事。
jixwang：我希望是的。起初我也想過，要不小愛彌斯的主題曲就簡單一點？可能只摘取成年愛彌斯的主歌旋律，變奏一下？但我覺得這跟故事核心的「回溯」關聯度不夠，我們想音樂層面傳達那種反轉和宿命感。
慶幸的是，最終我們做到了。
包括小林未鬱演唱的第三首版本歌曲《那顆星夢見的春日》，我們也做了一個敘事巧思：
當主線結尾，漂泊者跟愛彌斯在天台對完話後，會銜接劇情過場動畫給整個故事定調——一種春日到來，但帶有憂傷色彩的感覺。
但過場結束後，我們沒有切斷歌曲，而是通過EQ（均衡器，用於調節聲音頻率的工具，製造悶感）、ECHO和混響處理，把它無縫轉成了學院廣播裏廣播的3D點音源（更像是故事結束了，迴歸到遊戲跑圖時，仍意猶未盡不停止播放的破層感），直到完整一遍的歌曲播放結束。
*小林未鬱：日本女歌手，被稱爲“核爆神曲”御用歌姬，聲線厚重有力，極具穿透感；
這種由虛轉實的設計，給玩家帶來了意猶未盡的感覺：故事結束了？好像沒有。
任務結束了，玩家還在原地破防
當玩家回到舊居，打開屋裏的播放器後，還會聽到愛彌斯自己詮釋的版本。
那顆星夢見的春日-愛彌斯,遊戲葡萄,3分鐘
葡萄君：能感覺到你們背後投入的精力。那同樣是大版本的核心角色，愛彌斯和之前的卡提希婭，在音樂敘事上有什麼不同？
jixwang：在我看來是向外和向內的不同演繹。
卡提希婭外表稚嫩可愛但內心強大，在2.X承載的故事線厚重，她的音樂承載的是“砸開一道縫，讓光進來”的救世信念，是向外爆發的；
而愛彌斯外表活潑但內心細膩擰巴，她的音樂更多是在描繪龐大的內心世界，是自己在不同時間節點上與漂泊者的羈絆，是向內回溯的。
葡萄君：回顧從1.0到3.1的歷程，你現在怎麼平衡音樂創作上的個人表達和膾炙人口？
jixwang： 首先我覺得，我們團隊創作出的歌曲觀衆愛聽，在玩家羣體廣爲傳播，那對我們來說也是激勵。
其次，無論什麼作品，總歸都有創作者自己的表達。我們音樂創作的思路，是保留藝術角度，但用偏商業的方式去詮釋——所謂的膾炙人口，其實就是多重視聽衆喜聞樂見的感受。
當然，如果十年後玩家挖出來，發現1.0的OST（遊戲原聲音樂專輯）也有點東西，我也會很開心的（笑）。
葡萄君：具體來說，你覺得什麼纔算是喜聞樂見？
jixwang：關鍵在於共鳴力，或者說給玩家留出發散思維的空間。
舉個例子，尤諾的劇情插曲《持續瞬間的永恆》在創作時，我覺得它對玩家來說，需要更朗朗上口一些。因爲它服務於2.6版本，尤諾跟漂泊者談心的場景，我們沒有把它框死在某個具體的人設裏，而是適度放開。
持續瞬間的永恆,鳴潮先約電臺
結果這種留白反而引發了巨大的共鳴。
當時有朋友的朋友跟我說，他準備結婚了，能不能用這首歌作爲婚禮開場曲……從玩家反饋來看，這首歌不知道參與了多少場婚禮，我很感謝玩家們的認可，在這裏也祝福他們。
QQ音樂該歌曲評論區
03
什麼是遊戲音樂
葡萄君：從宏觀視角來看，在《鳴潮》項目組，一首歌從概念到落地的標準流程是怎樣的？
jixwang：首先從IP主題出發，我們會先從角色性格、故事背景或版本理念中提取核心關鍵詞。
拿到這些素材後，我會嘗試用鋼琴勾勒一些音階或旋律動機（Motif，音樂中最小的記憶單位）。如果這個動機能精準擊中主題，我們就會以此爲基底，進行配器擴充和變奏——基本上大部分版本，都會確立一首核心曲目作爲「地基」。
葡萄君：能舉個具體的例子？
jixwang：比如2.4版本的露帕，第一印象她是個角鬥士，音樂需要競技感和戰鬥風。但深入敘事後，你會發現她外剛內柔的一面。所以我們就在想，該怎麼在保持旋律向上的基礎上，加入一些更多深層情緒。
巧的是，同版本的蜜芽身世悲慘，這兩人就像是角鬥士宿命的一體兩面——於是我們就創作出了《致以無名的抗爭者》這首歌。
致以無名的抗爭者,鳴潮先約電臺
這首歌以雙女聲合唱的形式演繹，露帕的部分激昂向上，代表抗爭；蜜芽的部分悲壯無助，代表宿命。在旋律線上，我們做了一個「一比一的對位」設計：一個旋律向上走，一個旋律向下走。兩者交織，完美詮釋了「雙生與對抗」的主題。
葡萄君：這一套流程走下來大概需要多久？內部的驗收標準是怎麼樣的？
jixwang：具體的創作週期比較看靈感，比如有些歌打磨磨合的久一點，而有些歌靈光一現的話出來的就很快，像《悠忽舞於夢中》，編曲Demo一天就寫出來了，甚至有同事3小時寫出了一首「神曲」；但像我很喜歡的2.8版本《不散的夏之燈》，其實2.8的同事就打磨細節了很久。
不散的夏之燈,遊戲葡萄,5分鐘
至於驗收標準，我有兩個維度的考量：
一是作曲角度。旋律是否旋法（類似調子怎麼走）正確、是否抓耳？是否符合市場規律和玩家感受？
二是製作角度。基本功和質感是否達標？比如吉他泛音（吉他演奏技巧，空靈夢幻）是否過多？聲場（指聲音的空間感和位置感）是否偏了？底鼓和貝斯（底鼓是鼓組裏最沉的聲，貝斯是低音旋律，兩者類似音樂的「下盤」）咬合是否有勁兒？
我會從前期創作到後期錄音、混音（Mixing，把錄好的各種樂器聲音搭配在一起，調整平衡）、母帶製作（Mastering，音樂製作的最後一道工序，統一音量和質感）的全流程去把控。
葡萄君：提到2.8版本，很多玩家發現曲風變了，作者位似乎出現了很多新面孔？
jixwang：對，當時我正全力攻堅3.0版本，於是把2.8交給了幾位年輕的新同學。不得不說，這屆新人比我同齡時強太多了。他們有自己的研究方向，比如有人擅長民族樂，有人擅長Fusion，有人擅長電子樂，做出來的東西個人風格極強，也收穫了玩家很多很好的反饋。
2.8版本專輯（部分）
葡萄君：你怎麼看這種協作上的過渡？團隊的協作狀態怎麼樣？
jixwang：目前團隊正處於老帶新的良性階段。我們很尊重和支持新人表現——我希望團隊能給新人「黃埔軍校」的感覺，給新人足夠的空間，這樣行業才能勃勃生機。
葡萄君：既然人才儲備充足，那是不是意味着《鳴潮》的音樂產能不用擔心了？
jixwang：雖然很想開玩笑說「無限」，但一來人的精力總歸是有限；二來做遊戲是一場長跑，比爆發力更重要的是發揮穩定產出。
比如爲了烘托 3.1 版本的敘事張力，我們確實投入了飽和式的資源，恨不得每一幀都塞滿音樂；但從長線來看，我們更需要根據每個版本的題材量級和敘事重心，來科學規劃音樂的體量。
我們追求的是精準適配而非盲目堆量——只有張弛有度，團隊才能保持健康的創作狀態，持續爲玩家提供穩定的高品質內容。
葡萄君：話雖如此，但其實《鳴潮》就給了不少預期之外的驚喜。比如2.0一個支線出了《悠忽舞於夢中》的神曲；3.0既有場景音樂還有額外的摩托電臺……這些算是規劃外的溢出嗎？
jixwang：《悠忽舞於夢中》確實是個意外。當時負責那個支線任務的同事，需求只是“有類似鼓點的效果就行”，差點被我PASS掉。
結果我當時意外寫着寫着靈感爆發（笑），覺得光有鼓點不夠，得有旋律和人聲，最終配合優美的BOSS支線設計、飛行的玩法等因素，得到了大家的喜歡。在此再次感謝一下各位玩家的認可。
至於摩托電臺是一個多部門通力協作的產物，很感謝大家給了音頻團隊更多的創作空間，當時我們還把過去遊戲的一些曲目重新編曲，加上不同的配器，形成一個比較中心的、偏 EDM（電子舞曲，節奏感強）的電臺專輯。
至於是不是產能溢出，我覺得無論是場景音樂還是摩托電臺，都是我們爲了追求「3A級沉浸感」而期望做的事——場景音樂更有氛圍感、摩托電臺有更強勁的感覺，能讓玩家自由選擇。
葡萄君：正好藉着這個話題，聊聊協作。在日常研發中，音頻團隊是如何跟其他部門配合的？
jixwang：我們跟美術、策劃、程序、演出同學合作相當頻繁，我們負責監製遊戲內的全部音樂、音效以及對應的玩法，比如3.0的摩托電臺、音樂副本的設計配合。
實機演示中的音樂地圖
其他部門也給了我們很大的創作空間和支持。比如3.0高光演出中，那個事後被玩家津津樂道的「澤野式停頓」——其實是配置的同事，特意把演出高光用低頻（低沉厚實的聲音）音效錯開了一點時間，給音樂的副歌爆發讓出了空間；
再比如3.0主線動畫「來路」，其實這裏我們致敬了《星際穿越》，配合演出剪輯做了一個「回溯」音樂卡點；
甚至像3.0的NPC角色I.R.I.S.彈吉他的那一段動畫，很多玩家會發現她的指法完全正確，那也是生態組同事幫我們一點點摳出來的。
視頻源自B站@Neuro音樂
所以說我其實很感謝這個團隊。我剛入行時，常聽到“音頻是後期工作，有聲就行”的說法。但現在，時代變了。在《鳴潮》項目組，我們是共同創作遊戲的人。
葡萄君：這應該是你這一年多最大的感觸吧？
jixwang：沒錯。我覺得最大的變化就是從「做音樂」變成了「做遊戲」。
以前寫完一首曲子我就很開心；現在我會去思考：它的音效表現力如何？跟場景、演出、配音契合嗎？玩家聽到這段音樂時，當下的交互體驗是怎樣的？
雖然考慮的維度多了、投入多了，但那種看着音樂真正融入世界、成爲遊戲一部分的成就感，是單純寫歌無法比擬的——原來做遊戲，真的可以這麼快樂。
04
一款以聲音爲「名」的遊戲
葡萄君：去年庫洛嘉年華的LIVE現場的氣氛很火熱，但也有玩家調侃你們“不給歌手留活路”，歌太難唱了。創作時你們會考慮現場演出的適配度嗎？
jixwang：有些確實寫得稍微高了一點。其次，對我而言，創作時的第一優先級可能先不去考慮現場演出的效果，會先想到它在遊戲內的表達和呈現，等上線後再會考慮線下相關。
我更習慣待在幕後，對着電腦、設備、琴搗鼓，更期望沉浸式作曲編曲。
庫洛嘉年華LIVE《逆潮》現場
至於現場……當時聽卡提希婭那首高難度的《願戴榮光墜入天淵》和《逆潮》時，我其實正蹲在後臺修（嘉年華贈送的）椅子……當然，合作的歌手都非常專業。比如Laco，她在錄音棚裏的狀態，就跟在演唱會現場一樣穩健，第一遍Demo就已經很能打了。
葡萄君：這其實觸及到了一個核心問題：你覺得遊戲音樂跟專輯音樂、影視音樂的本質差異在哪？
jixwang：互動性。我有時候也在想這個問題，專輯是歌手或製作人呈現的純粹概念、電影配樂多是詮釋悲傷或宏大等氛圍。
而遊戲配樂，是一種動態的對話。當玩家觸發某段劇情、踏入某個新地圖時，他當下的情緒是什麼？他期待得到什麼樣的正反饋？說到底，遊戲音樂是開發者跨越屏幕，與玩家進行情緒共鳴的一種交互手段。
葡萄君：但你們也推出了不少OST專輯，這又是爲了什麼？
jixwang：你會發現，無論是專輯的順序，還是專輯內歌曲的順序，都是按照玩家從遊戲故事開始，跟隨主線的進程來排序的。
我們做專輯的初衷，不是爲了對標流行音樂，而是希望它成爲遊戲體驗的延伸。當玩家點開專輯，順着聽下來，腦海裏浮現的是一段連貫的冒險回憶——這纔是遊戲原聲帶（OST）存在的意義：一段可以被聽見的記憶。
葡萄君：包括那些極具文學性的歌名，似乎也是敘事的一部分？
jixwang：是的，歌名是IP組的同事幫忙設計的，我們也會給出一些建議。
比如小林未鬱那首歌，原本叫另一個名字，後來IP同事返修了幾次，給出了《那顆星夢見的春日》——我一看這名字，畫面感瞬間就有了。
葡萄君：基於這種交互性載體，遊戲音樂在製作上最大的挑戰是什麼？
jixwang：最大的難點在於「多環節的連貫性」。
比如2.6尤諾的《月終恆常於瞬息》，這首歌對應着角色逆轉命運的高潮演出，但中間穿插了一段實機戰鬥。爲此，我們在作曲時做了一個特殊設計：讓這首歌的任意小節，都能無縫切入高潮副歌。 這樣無論玩家打得快慢，聽覺體驗都是連貫的。
而3.1版本，愛彌斯上臺演唱《小小奇蹟》前，我感覺直接切演出比較突兀，於是在歌曲前的對話階段鋪墊了兩遍前奏：
第一遍只有電鋼琴和Pad（鋪底音色，一種持續的長音，烘托氣氛），第二遍進電吉他，兩遍延展後自然過渡到演出。
而在畫面走過愛彌斯時，在看不見的地方，我設計了一個小聲的插拔電吉他聲音，暗示「看不到的舞臺，但要來了」的樂隊主唱的感覺，從音樂音效層面告訴玩家：「我要上臺了」。
（另外，這一段演出的音頻的混音還是混了非常多的版本，音效的老師也陪我改了很多次的混音和設計）。
演出結束後，其實這首歌並沒有停，而是做減法：去掉了人聲、鼓組（一整套架子鼓，負責音樂節奏）和貝斯，保留剩下的配器作爲對話BGM。這樣玩家會感覺：雖然切回了實機對話，但我人還在禮堂，NPC還在揮舞熒光棒，那種歡快的餘韻還在。
葡萄君：聽完這些複雜的交互設計，我感覺遊戲音樂已經變成了一門極其精密的綜合藝術。費這麼大勁去摳這些細節，你覺得是未來的必然趨勢嗎？
jixwang：我覺得是和時代的雙向奔赴吧。現在的年輕玩家審美越來越高，喜歡的東西也越來越美好，這是一件好事，是藝術的進步，是時代的進步，也是羣衆大家追求的進步。
現在的玩家更渴望從遊戲中獲得精神和情感的共鳴。他們在某一刻的內心也好感受也好甚至是希望被產生共鳴的，希望在虛擬世界裏找到真實的情感投射。
這就給了遊戲創作者、藝術創作者、音頻創作者更多維度的思考。對我們而言，思路上也會從只是做一首曲子，變成用音樂去構建一個可以讓玩家共鳴的遊戲世界。
與世界的聯結與交互，也是《鳴潮》立項之初就提到的：打造一個爲漂泊者而生的索拉里斯。
葡萄君：相信不少玩家到現在，都會感慨：一款以聲音爲「名」的遊戲，終於把聲音做成自己的「生命力」了。
