CSIAF24｜爲了“上海獨家”，值得一趟藝術之旅-文化-漫步新聞-陪你看看

指揮家捷傑耶夫率馬林斯基交響樂團在10月12日凌晨兩點抵達上海，當天下午，《馬勒第七交響曲》開演前，他面對媒體，對今年上海國際藝術節的魄力讚不絕口：“用五天六場音樂會規劃馬勒交響曲全集的演出，這讓來上海旅遊的人，也能在不到一週的時間裏聽完馬勒交響曲，這樣的機會太罕見！”作爲藝術節的老朋友，捷傑耶夫敏銳地覺察到上海國際藝術節所匯聚的優質演藝資源，是這座城市吸引八方來客的“流量”和“留量”。

“爲一場演出開啓一趟上海之旅”早已不是新鮮議題，今年上海國際藝術節給各地文藝愛好者們出了一道難解的題：願意爲多少場演出在上海停留多久，一個週末、一週、還是更久？

上海國際藝術節正在從短暫的節展擴展成跨越整個秋天的藝術季。今年國慶長假的第一天，巴伐利亞國家歌劇院《漂泊的荷蘭人》“靠岸”上海大劇院，瓦格納歌劇狂風暴雨的序曲高調開啓今年藝術節的一系列演出。從國慶當晚《漂泊的荷蘭人》首演到11月30日下午白俄羅斯音樂戲劇《我的故鄉》收官場，整整兩個月，全球藝術浪潮在黃浦江畔奔湧，藝術節主板塊的55臺129場演出中，境外項目佔比6成，超過9成爲上海首演。

其中，最受關注的當屬“中國內地僅此一站”的“上海獨家演出”，包括：巴伐利亞國家歌劇院《漂泊的荷蘭人》和《奧賽羅》（音樂會版），馬勒交響曲全集——瓦萊裏·捷傑耶夫與馬林斯基交響樂團音樂會，低男中音天王布萊恩·特菲爾獨唱音樂會，艾倫·吉爾伯特、約書亞·貝爾與北德廣播易北愛樂樂團音樂會，鈴木雅明與日本巴赫古樂團音樂會，阿姆斯特丹皇家音樂廳管弦樂團銅管組上海音樂會；比利時偷窺者舞團《艙中謎事》，斯圖加特芭蕾舞團《羅密歐與朱麗葉》，中國上海國際藝術節委約、聯合制作的皮娜·鮑什1978重現版——《交際場：迴響1978》；柏林邵賓納劇院《理查三世》《米歇爾·科爾哈斯》，白俄羅斯共和國戲劇院音樂戲劇《我的故鄉》。

古典好聲音的擂臺賽

國慶長假中，巴伐利亞國家歌劇院的六場演出吸引了來自全國的歌劇迷“在劇場裏過節”，上海音樂學院陶辛教授感嘆：“古典樂演出能像節慶一樣熱鬧，這隻可能發生在上海。”甚至，國慶和中秋的雙節假期已過，愛樂者的節慶卻剛開始，巴伐利亞國家歌劇院是“頭炮”，《漂泊的荷蘭人》才結束上海之行、登船啓航，馬林斯基交響樂團緊隨其後，奏響“馬勒交響曲全集”。

今年是作曲家馬勒誕辰165週年，上海國際藝術節和古典樂界的“戰鬥機”馬林斯基交響樂團，推出連續5天6場交響樂會，全景式演繹馬勒的9部交響曲。上海音樂學院孫國忠教授最初得知這套馬勒全集音樂會的信息時，他一度很擔心，因爲如此密集的六場音樂會對指揮、樂團和觀衆都是不可思議的挑戰。然而，經過第一天從午後到深夜的連續兩場交響樂會，孫國忠教授的顧慮被打消了，他說：“不得不佩服指揮捷傑耶夫和馬林斯基交響樂團的專業態度，音樂家們的激情令人感動。顯而易見，只要具備能力和精力，馬勒九部交響曲的集中呈現，如此高水平的演繹，能最大程度地引起聽衆強烈共鳴，加深理解馬勒交響曲貫穿始終的哲學內涵。”放眼全世界的舞臺，這樣的演出是可遇不可求的，捷傑耶夫也說：“在同一個城市的同一個音樂廳，短時間內演完馬勒的交響曲，這是很不尋常的，非常罕見。”這次演出引發全球樂迷、馬勒迷的搶票熱潮，來自美國、德國、丹麥、比利時等國的愛樂者專程開啓“上海馬勒周”。

巴伐利亞國家歌劇院開啓上海之行時，現任院長塞爾吉·多尼真誠地說出“歌劇的未來在中國”。又何止歌劇，持續兩月的上海國際藝術節匯聚全世界一線樂團，儼然成爲“古典好聲音”的擂臺。

德國漢堡是上海的姐妹城市，樂聲牽連兩座港口城市，來自北海之濱的北德廣播易北愛樂樂團時隔七年重返東海之濱的上海。今年是反法西斯戰爭勝利80週年，也是北德廣播易北愛樂樂團成立80週年，這支特殊的樂團是在德國戰敗的廢墟上、由當時的盟軍授意組建，接收了柏林愛樂樂團近三分之一的樂手，這批樂手是歷經戰前和戰時、由指揮大師富特文格勒訓練的，這決定了樂團極高的起點。這次，樂團由現任首席指揮艾倫·吉爾伯特率領，攜手小提琴家約書亞·貝爾，在上海呈現兩套風格迥異的曲目。10月28日的曲目側重20世紀音樂的現代性，理查·施特勞斯的交響詩《唐璜》和聖桑的《第三小提琴協奏曲》都以豐富的音樂色彩著稱。29日的曲目回望19世紀的經典，德沃夏克《第七交響曲》在德奧古典傳統中融入捷克民間音樂的魅力，展現深刻的情感和廣闊視野；勃拉姆斯《D大調小提琴協奏曲》則被公認是音樂史上最偉大的小提琴協奏曲之一。

今年還是巴赫誕辰340週年，古樂大師、指揮家鈴木雅明將帶領日本巴赫古樂團首度訪華，在上海音樂廳演出雅俗共賞的《D大調樂隊組曲第三號》和《d小調雙小提琴協奏曲》，以及很少現場演出的康塔塔《太陽神與潘神之爭》。鈴木雅明被公認是在世的巴赫作品的權威指揮家，也是帶動巴洛克音樂復興的關鍵音樂人。他在1990年創立日本巴赫古樂團，樂團選用巴洛克時期的樂器，從樂器材質到演奏技法都力求還原300年前的“原聲”，古樂器演奏的豐富音色帶來不一般的聆聽體驗。

舞蹈的過去和當下

世界知名舞團和舞者在上海國際藝術節的舞臺上“來了又來”，這不是新鮮事，即便如此，《交際場：迴響1978》仍是一部特別的舞蹈作品，這部榮獲第62屆柏林戲劇節“尤爲傑出作品”獎項的新作，是由上海國際藝術節聯合英國薩德勒之井劇院等國際夥伴共同推動誕生的，它在今年上海國際藝術節期間的演出是它的亞洲首演。

《交際場：迴響1978》是對皮娜·鮑什1978年創作的《交際場》的重現。《交際場》是皮娜的代表作之一，這是一部自誕生以後不斷生長的特別作品，在之後的幾十年裏不斷衍生新的版本，包括1978年初版、老年版、青春版和最新的再現版，每個版本呈現不同時代語境裏不同生命狀態的身體，版本之間形成含義豐富的互文，共同構成了跨越半世紀的起伏生命史。

1978年，20位皮娜舞團的舞者在烏珀塔爾首演《交際場》，之所以叫這個名字，因爲：“交際場是人們相遇的地方，他們在此尋求人和人之間的聯繫，展示自我，又否定自我，伴隨着恐懼、慾望、失望、絕望……展現自我，從而超越自我。”

排練期間，皮娜設想：“當這羣舞者步入老年，他們將如何演繹這個作品？”時光流逝，22年後，她沒有直接地回應自己往日的設想，而是把視線投向舞團之外更廣闊的人羣，她邀請25位年齡在65歲以上、沒有接受過專業舞蹈訓練的素人來演繹《老年交際場》。又是8年過去，在皮娜去世前一年，她召集一羣14歲以上的青少年來排演《青春交際場》，給這個原本嚴肅的作品注入生動的青春氣息。

到了此時此刻的《迴響1978》，這是一部傑作在時間中的回聲，47年過去了，初版的舞者們仍然健在也進入遲暮之年，9位舞者帶着積累了近50年生命痕跡的身體迴歸舞臺。這裏的“交際場”不止是“個體與他人相遇的地方、個體和他人之間建立聯繫的地方”，時間讓“交際場”更進一步地成爲不同的自我相遇的地方，“展示自我，又否定自我；展示自我，從而超越自我”的主題因爲時間的介入而有了更深刻的哲思。

《交際場：迴響1978》是經典照進現實，比利時偷窺者舞團首登中國大陸的《艙中謎事》，則是上海舞臺對接全世界舞蹈創作的最前沿。

偷窺者舞團自2000年在布魯塞爾成立，被譽爲“歐洲最具創新力的當代舞團”，加芙列拉·卡里索和弗蘭克·沙爾捷這兩位編舞迄今的全部作品圍繞着超寫實的空間。《艙中謎事》由兩個作品構成，《消失的門》場景是開不了門的房間和走廊，《謎樣的房間》發生在船艙內，這兩個空間都不在現實中，觀衆進入的是一個男人的潛意識，這是他腦海中的幻燈片，所有的角色在變形的時間和空間中游蕩。兩位編舞利用不同的場景，在舞臺上製造了類似電影跳切、融鏡和淡入淡出的視覺意象，這樣的作品帶着強烈的跨界色彩，舞者和觀衆享有劇場的共同空間，但舞蹈被呈現爲意識流的活人畫，“即時性”的轉瞬即逝的演出看起來又像實驗性極強、有着激進蒙太奇語言的默片。

看不到現場會遺憾

柏林邵賓納劇院不是第一次來上海，奧斯特瑪雅導演、艾斯·拉丁格主演的《理查三世》不是第一次來中國，但，這個作品仍然被公認“看不到現場會遺憾”。

金庸曾生動地解析《理查三世》，他總結，莎士比亞描繪了一個神采奕奕的政界大壞蛋，有才氣縱橫的計謀和生龍活虎的行動。這個男主角是天賦異稟的“權力藝術家”，他的智力夠強，行動夠果決，看起來最癲，其實是政治世界裏最清醒的理性人。他本質不喜歡做國王，而是迷戀爭奪王權的戰鬥，他癡迷於爭奪的過程。整個戲給觀衆製造了“道德的假期”，短暫地忘記禮義仁信，只看到理查大踏步地朝目標前進，這是一部沒有任何好人的、描寫“黑喫黑”的“爽劇”。

金庸的這篇《談<理查三世>》給了普通讀者一把打開莎劇原作大門的鑰匙，在奧斯特瑪雅導演的這版《理查三世》裏，可以看到金庸言簡意賅的導讀——神采奕奕的壞蛋，生龍活虎的行動，政治理性的癲王——鮮活地劇場化了。

邵賓納劇院今年帶來的另一部作品《米歇爾·科爾哈斯》是亞洲首演，它的小說原作和舞臺改編方式都將開拓本地觀衆的認知。

《米歇爾·科爾哈斯》是德國作家克萊斯特的一篇短篇小說。克萊斯特生於1777年，卒於1811年，英年早逝的他是劃過德語文學史的一顆璀璨流星，光芒萬丈，也是消失在黑暗中的傳說。在歐洲，他更多爲公衆知曉的是劇作《破甕記》和《洪堡王子》。他短暫一生鬱鬱而終，只留下八個短篇小說，即便如此，茨威格和卡夫卡對他推崇備至，尤其卡夫卡動情地寫過：“克萊斯特的小說是現代德語語言藝術的根。”

他的行文風格有着迷人的矛盾特質，既擅於寫多變的長句，修辭又簡潔乾脆。他在他的時代是異類，同樣不能被歸入德語文學史的任何流派，這是一個徹底的、永遠的局外人。茨威格形容克萊斯特的一生“像高燒患者不斷地換枕頭”，他心焦惶惶，至死未得片刻安頓，內心總是矛盾和自相撕扯，表現在他的作品裏，人物主觀的認知總是和周遭世界的所謂共識產生劇烈偏差，小說的角色們因此深陷悲劇，作家終因心靈破碎而自戕。

《米歇爾·科爾哈斯》寫一個對法律和公義抱有天真信念感的馬販子，屢遭權貴戲弄踐踏，他在絕望中成爲綠林悍匪。歐洲文學史家形容這是“暴力版堂吉訶德”，中國讀者也許會聯想《林教頭風雪山神廟》。

這不是一部完全虛構的小說，克萊斯特在1810年寫作這部作品的靈感源於16世紀的一樁真實案件。英國戲劇人西蒙·邁克伯尼從這段創作背景中得到啓發，爲邵賓納劇院改編舞臺劇《米歇爾·科爾哈斯》時，摒棄再現時代背景和具體的情節演繹，採用極簡主義的演出形式，臺上僅有幾把椅子和一排麥克風，演員一律穿灰西裝，既在戲裏戲外、也在故事內的不同角色之間切換，乍看起來是一場今時今日的“開放麥”，而每人說出口的內容是1810年的作家描寫16世紀案件。邁克伯尼認爲，克萊斯特借用300年前的故事來回應他所面對的動盪秩序，他用小說拉近了兩個時代的語境，他試着把這樣的創作精神延續到此刻、延展到舞臺上。

至於白俄羅斯音樂戲劇《我的故鄉》，這更是上海以及中國劇場裏稀缺的風景。這是一部看起來很“小”的作品，關於一個水管工短暫的倫敦之旅。沒有驚人的情節在舞臺上發生，只是平凡的小人物在離開家鄉的日子裏被強烈的鄉愁所震撼，他意外地進入“開放、流動、國際化的世界舞臺”，經歷一系列啼笑皆非的日常，他在返程飛機飛入白俄羅斯領空時，淚流滿面，他意識到“自己的根在家鄉的土地裏”。這部圍繞着個體經驗的“小小的喜劇”，從開放的全球視野，對焦於小人物質樸的愛國情感——今年持續兩個月的上海國際藝術節演出以此收官，未嘗不是一種清晰的隱喻。