上音國際音樂劇節｜從“跟跑”到“並跑”，中國本土音樂劇未來已來-文化-漫步新聞-陪你看看

“鳳凰臺上鳳凰遊，鳳去臺空江自流……”近日，第四屆上海音樂學院國際音樂劇節分享會現場，上音歌劇院燈光聚焦舞臺中央——法國演員洛朗·班（Laurent Ban）以秦腔蒼勁音韻唱響《長安十二時辰》的《鳳凰臺》。他中文發音字正腔圓，戲韻轉折精準，臺下滿堂喝彩，觀衆紛紛記錄這跨越文化的瞬間。這位被中國劇粉稱作“老航班”的國際演員，爲飾演葛老用兩個月攻克中文與陝西方言，深挖角色內核，印證中國音樂劇以中華優秀傳統文化爲根脈，在國際交流中綻放光彩。

這場以“鏈接世界舞臺，融合產學創新，共譜中國音樂劇新章”爲主題的盛會，匯聚海內外行業大咖與藝術愛好者，既呈現《泰坦尼克號》等經典劇目的教學交流演出，更通過深度分享勾勒中國音樂劇發展軌跡：從追隨國際IP、復刻海外模式，到深耕本土文化、形成自主特色。“20年前我們多引進原版劇目，觀衆追百老匯、西區IP；如今中國原創憑文化內核獲海外關注。”上海文廣演藝集團總裁馬晨騁的感慨，道出行業共識。這一轉變，源於從業者對文化根脈的堅守，也得益於國際助力與人才培養體系的完善。

紮根本土文化，打破對國際IP的“復刻依賴”

中國音樂劇的破局，始於對“復刻依賴”的清醒認知。回溯產業起步，“水土不服”尤爲突出。“2011年是中文版音樂劇元年。”馬晨騁回憶，當年上海文化廣場落成，文廣演藝集團籌備68場《媽媽咪呀》中文版開幕演出，開票首日僅售7張。“觀衆打電話問是不是外國劇團，得知是中國劇團就掛斷。”他坦言，當時觀衆要麼執着原版“原汁原味”，要麼對音樂劇陌生，甚至難以接受劇中“蘇菲對媽媽說‘即使你嫁過100個男人，我也不在乎’”的臺詞，認爲不符傳統價值觀。

儘管《媽媽咪呀》後來經24城400餘場巡演斬獲8000萬票房，開啓中國音樂劇產業化序幕，但馬晨騁清醒意識到，作品核心仍依賴國際IP，“只是完成本土化呈現，而非創作”。2012年籌備中文版《貓》時，新難題出現：全中國難尋“唱跳演”全能演員。“搖滾貓飾演者劉令飛是最後定的，當年更青澀但敢拼，正是行業急需的。”馬晨騁笑着說，劇組第一課是生物課——形體老師借貓的解剖圖講解動作習慣，要求演員即便後臺搶裝，也要保持貓的姿態行走、與觀衆互動。“那些場景讓我明白，音樂劇不只是舞臺表演，更是完整產業系統，從道具佈置到場控調度，每個環節專業才能保障一週八場穩定演出。”

早期探索讓從業者達成共識：唯有紮根本土文化，挖掘自身內核，才能打破國際IP依賴。“中國戲劇舞臺要弘揚中華美學精神，做凝練節制、意境深遠的舞臺劇，用全媒體技術也要把握‘度’與‘效’，不能爲技術而技術。”資深導演周小倩強調，戲劇與影視的本質區別是“活人演給活人看”，“面對面交流、演員即興反應、觀衆與演員的情感共鳴，纔是戲劇最大魅力。只有讓演員充分施展風采與功力，戲劇魅力纔會永存。”

周小倩指出，當下中國音樂劇發展快但問題不少：“顏值高的演員易吸粉帶票房，但音樂劇的基石始終是劇本臺詞、表演、唱歌這‘三個重要性’，不能丟。”她以導演經驗舉例，音樂劇演員成長需經三階段：青澀“模仿期”、表演痕跡明顯期、與角色“融合期”，“粉絲花錢看劇是爲見演員高標準演出與成長，不願提升的演員走不遠。”她建議音樂劇專業學生先演經典劇本，“經典藏着經時間檢驗的表演方法，先學會‘搬’好東西，積累經驗再談原創。”

本土創作突破離不開人才培養。上海音樂學院院長廖昌永提出的“教創演研一體化”模式，搭建獨特教育生態。2025年，上音成爲國內首個獲英國MTI（音樂劇國際劇院）官方教學版授權的院校，音樂戲劇系聯合多院系師生排演《泰坦尼克號》——該劇含126個角色、50餘首唱段，管絃樂編排與舞臺調度複雜。“爲幫學生理解角色，我們組織歷史講座講解1912年社會背景；聲樂老師逐句打磨唱段，要求不僅唱準音符，更要唱出角色內心。”上音音樂戲劇系系主任安棟介紹，師生通過反覆打磨終於完成“課堂教學”到“職業舞臺”的跨越。

音樂劇節閉幕式上，《泰坦尼克號》音樂會版震撼全場：管絃樂奏響時，演員以感染力的演唱呈現乘客危難時刻的恐懼與溫情。演出落幕，全體師生鞠躬，歌劇廳掌聲雷動，不少觀衆落淚。“這場演出既是對經典的致敬，更是中國音樂劇教育成果的展示。”業內專家評價，它證明中國音樂劇教育已從“學技巧”升級爲“掌邏輯、懂內核”，“教學促創作、創作帶產業”的路徑愈發清晰。

本土創作的亮眼成果，在《長安十二時辰》中尤爲突出。作爲該劇作曲，安棟透露，爲刻畫唐長安城風貌，他早年獲魔巖唱片資助，深入陝西、陝北、內蒙民間採風；後來參與《原神》《王者榮耀》等項目，積累“傳統樂器當代演繹”經驗。劇中，琵琶、笛簫壎、中國鼓貫穿全劇，與當代流行搖滾編曲碰撞，形成“跨越古今的對話”。

“《鳳凰臺》是全劇唯一無記譜的歌，我口口相授給演唱者，只爲傳遞秦腔‘只可意會，不可言傳’的韻味。”安棟說，“說書人”的臺詞與唱段融入大量陝西方言民歌，既顯人物豪邁，也凸顯唐長安的開闊；《悲歌難挽》以“宇宙視角”審視長安興衰，“從宇宙看，長安、盛世的崩塌不過是微觀之事”，歌曲真假聲轉換與強弱收放，營造“偉大文明的悲觀宿命”；《牧護歌》融入愛爾蘭、凱爾特音樂風格，貼合葛老角色設定，將長安“民族融合”擴展到世界層面，“創作時不用考慮劇情銜接，反而能讓音樂純粹力量打動人心。”這樣的創作哲學，正是中國音樂劇本土創作的縮影——以傳統文化爲根，開放融合多元元素，形成獨特“東方表達”。

以國際視角豐富中國表達

中國音樂劇從“跟跑”向“並跑”邁進，國際從業者的參與與海外經驗的借鑑是重要推力。他們或融入本土創作，或分享運營、教育理念，成爲中外藝術互鑑的“橋樑”，讓“IP與城市共生、與觀衆共成長”的理念落地。

洛朗·班與《長安十二時辰》的合作堪稱典範。作爲劇組唯一外國演員，他不僅要攻克中文臺詞與唱段，還要掌握陝西方言細節。“從零學中文發音、聲調與陝西方言，是我職業生涯最艱難也最有趣的挑戰。”洛朗·班說，在聲樂指導湯愛民幫助下，他逐字分析語言背後的文化內涵，“比如‘鳳凰臺’的‘臺’字，秦腔發音更厚重，顯歷史滄桑，需反覆練習。”被問及爲何接“非男一號”角色，他笑答：“我渴望新挑戰，逐字領悟語言情感，讓我獲前所未有的創作樂趣。”他拒絕將葛老塑造成“平面壞人”，深挖角色複雜性——亂世無奈與人性堅守，這種理解讓表演跨越語言障礙，打動觀衆。

“洛朗·班的加入不只是國際演員參演，更是文化交流的生動體現。”劇中方言是對傳統文化根脈的堅守，而洛朗·班以開放心態學方言、融中國語境，印證“藝術無國界”，這種雙向尊重讓中國音樂劇的“國際表達”更有說服力。

海外專家的分享提供寶貴參考。英國皇家威爾士音樂與戲劇學院總監布萊恩·韋爾（Brian Weir）觀摩上音版《泰坦尼克號》後評價：“這不是簡單復刻，而是用國際標準培養本土人才的紮實實踐。”他強調，音樂劇人才培養核心是音樂、舞蹈、戲劇“有機融合”，“我們關注‘音樂表演（acting vocal）’技能，而非僅聲樂技巧，合格演員需會多種唱法、善肢體表達。”

布萊恩·韋爾介紹，學院學生除合唱課外有一對一聲樂指導，助其找到適配發聲方法；肢體訓練是重點，本科生日間學爵士、芭蕾、現代舞，研究生舞蹈課佔總學分三分之一。“音樂劇每週8場演出，對演員身心是考驗，但更重要的是演員從觀衆反饋中調整表演。”他反覆強調，音樂劇魅力在於“真實講故事、與觀衆建立連接”，團隊合作是關鍵，“即便飾演小配角的‘多功能人（ensemble）’，也能打磨角色閃光點，讓舞臺更豐滿。”此外，學院鼓勵學生了解行業其他領域，不少畢業生成燈光師、音效師，“希望學生既懂專業，也對行業有全面認知。”

與國內高校不同，該校與行業結合更緊密：爲學生提供大量舞臺表演機會，助其從“學生”轉型“演員”；在校生可旁聽名家講座與幕後人員分享，“既讓學生了解行業，也幫他們提前對接業內資源。”布萊恩·韋爾說，本科最後一年，學生需在理查德·伯頓公司實習，參與音樂劇設計、演繹與幕後工作，甚至可加入公司每年15部戲劇創作；研究生需研究產業形勢，以論文規劃職業方向。這些經驗爲中國音樂劇人才培養提供借鑑——“教育不能脫離行業，實踐才能培養出符合需求的人才。”

德國導演克里斯托夫·德魯伊茨（Christoph Drewitz）以自身經歷分享“本土化與國際視野結合”思路。“德國不少非商業劇場認爲音樂劇‘登不上大雅之堂’，但我覺得它本身就是美妙的藝術形式，無需與其他門類比較。”他說，德國音樂劇界2010年左右湧現一批原創劇目，近年受市場影響發展放緩，“投資人擔心原創無IP背書、缺號召力，連2018年獲獎的《洛特》（Lotte）都難復排。”

面對困境，克里斯托夫以“橋樑導演”定位自己：“既要懂創作者的藝術目標，也要理解制作人對商業成功的追求。”他會在排練前期爲製作方安排劇本朗讀會，用專業解讀說服投資；同時關注觀衆喜好與國際流行風格，引入“沉浸式觀劇”等新概念。他執導的《選帝侯大街56號》改編自電視劇，講述二戰後德國一位寡婦與三個女兒的故事，改編時保留犀利對白、刪減冗餘副線，用“抽象轉場”讓影視劇本適配舞臺。

克里斯托夫還強調“在地文化與音樂劇融合”：“德國不少城市創作者改編家鄉故事，打造文旅特色項目，新天鵝堡《路德維希二世》就是代表。”他爲家鄉韋茨拉爾鎮創作《洛特》——該鎮是歌德《少年維特之煩惱》靈感來源，劇目的佈景以當地“綠蒂老宅”爲原型，加入沉浸式互動，“讓觀衆更貼近在地文化”。他認爲，《長安十二時辰》融入秦腔、民樂的思路，與德國“在地文化共生”理念一致，“優秀本土化不是堆符號，而是讓傳統活在當下。”

日本四季劇團的運營模式，爲中國音樂劇打造“長線IP”提供參考。作爲四季劇團駐中國代表，王翔淺介紹，劇團如今是日本音樂劇市場“領頭羊”：2021年其出品的《獅子王》以535場居日本演出場次榜首；2023年日本音樂劇總票房801億日元，劇團佔275.6億日元（34%），與寶冢劇團“平分秋色”。但鮮少人知，劇團1953年成立後30年艱難維持，演員白天賣票、晚上演出。

1983年，劇團創建者淺利慶太“賭上未來”引入《貓》，投入往年營收與演員個人資產，“這是決定生死的作品”。幸運的是，《貓》一年內演出474場，劇團還創新“帳篷式臨時劇場”——270度面向觀衆，VIP席可近距離感受劇情；同時與PIA株式會社聯合開發線上票務系統，成當前票務系統雛形。

1998年引入《獅子王》時，劇團提出“無限期長期公演”：上座率低於70%才下架。這一模式曾遭質疑，卻大獲成功：2015年《獅子王》迎萬場演出，至今上座率超90%，成陪伴幾代觀衆的“老朋友”。“四季劇團的宣傳有三個亮點：無孔不入、事件性、感同身受。”王翔淺回憶，曾在地鐵口見《獅子王》海報寫“你有多久沒見鄰居了？”，將劇目比作“老鄰居”，溫情動人。2010年《獅子王》演出7000場時，劇團找到1998年初代辛巴、娜娜小演員，其中4人後來成劇團演員，“觀衆落淚，因《獅子王》的成長裏藏着他們的青春。”她認爲，這種“IP與觀衆共成長”的理念值得借鑑，“優秀音樂劇應成連接觀衆、城市與文化的橋樑，積累情感價值，形成文化符號。”

中國從業者也在探索“國際表達”的本土化實踐。王翔淺製作原創音樂劇《戰爭與和平》《夜幕下的哈爾濱》時，深刻感受“中國故事國際講述”的可能。“兩部劇背景不同，但都聚焦戰爭中的人性光輝。”她介紹，《戰爭與和平》用兩個大球形裝置概括戰爭場面，以抽象表達貼合國際審美；《夜幕下的哈爾濱》刻畫抗日青年的朝氣，“無刻意悲情，以青春理想傳遞正能量”。這兩部作品證明，中國音樂劇能用“國際聽得懂的語言”講好中國故事。

從並跑向領跑，中國音樂劇未來可期

第四屆上海音樂學院國際音樂劇節落幕當晚，上音歌劇院內《泰坦尼克號》旋律與《長安十二時辰》民樂餘韻交織，掌聲喝彩久久不息。這場四天的盛會，不僅有精彩演出與深度分享，更展現中國音樂劇的蓬勃生機——從紮根本土破IP依賴，到借國際經驗豐富表達，中國音樂劇正從“跟跑”邁向“並跑”，未來有望“領跑”。